Matéria traduzida e adaptada do inglês, publicada pela matriz americana do Epoch Times.
Estendendo-se por 17 metros em Washington, D.C., o Pershing Park é um friso de bronze que retrata “A Soldier’s Journey” (A Jornada de um Soldado, em tradução livre) através das demandas e perigos da Primeira Guerra Mundial. Da esquerda para a direita, 38 figuras humanas em tamanho real relatam a experiência de um único Soldado americano: sua saída de casa, a provação da batalha e suas consequências, e seu retorno.
A enorme obra, revelada numa cerimônia no dia 13 de setembro, foi criada pelo escultor ítalo-americano Sabin Howard, cuja busca ao longo da vida é reviver a escultura figurativa na grande tradição do Renascimento. O fato de ele ter defendido a sua posição numa peça de grande escala comemorativa da Primeira Guerra Mundial é algo que Howard considera profundamente irônico.
“A Primeira Guerra Mundial marcou o fim de um processo de pensamento filosófico de que o mundo é unificado por uma ordem divina. Com a dizimação de 22 milhões de pessoas, caminhamos em direção à alienação e ao niilismo, à morte de Deus e ao início da era moderna”, refletiu Howard. “Aquele momento teve um impacto enorme na arte. A ideia de que o figurativo é a essência da arte já estava começando a desaparecer. Após a Primeira Guerra Mundial, a figura não faz mais parte do mundo da arte. O último momento em que se presta atenção a essa figura é [durante o] movimento Art Déco, e depois disso você passa para a arte abstrata.
Cem anos depois, Howard se viu comemorando na escultura figurativa os sacrifícios feitos durante o mesmo evento que levou ao apagamento da arte figurativa – irônico, na verdade, mas de alguma forma adequada. “A Soldier’s Journey” é um poderoso tributo aos americanos que lutaram na Primeira Guerra Mundial, enquanto o seu alcance metafísico “remonta a uma era anterior e fala da nossa ligação com o sagrado”, disse Howard. O seu maior potencial: desencadear o que Howard chama de “uma revolução da Renascença Americana”.
Nascimento, Renascimento
Sabin Howard, o homem, nasceu em 1963 em Nova Iorque. Mas Sabin Howard, o escultor, nasceu precisamente às 16h em 22 de outubro de 1982.
“Foi nesse momento que decidi ser artista. Eu estava trabalhando em uma marcenaria e liguei para meu pai e contei a ele. Ele disse: ‘Quanto tempo isso vai durar?’ Até agora, já durou 42 anos.” Na época, com 19 anos, Howard não sabia desenhar e não estava familiarizado com os procedimentos do mundo da arte. Ele ligou para uma escola de arte para perguntar sobre os requisitos. “Disseram que eu precisava de um portfólio, mas não sabia o que era um portfólio”, lembrou.
Mesmo assim, Howard sabia o que queria. Ele persistiu, obtendo diplomas do Philadelphia College of Art e da New York Academy of Art, e usou o que aprendeu na escola para desenvolver o que já havia experimentado nas grandes obras-primas da arte ocidental. Como sua mãe é italiana, ele passou muitos anos de formação na Itália. Lá, “fui exposto aos grandes artistas da Renascença e pensei que arte é isso. Decidi fazer arte como os mestres da Renascença, especialmente Michelangelo, Rafael e Leonardo [da Vinci].” Ele escolheu a escultura porque no Renascimento “tudo – desenho, pintura, tudo – era guiado pela energia tridimensional da escultura, que tem tanta presença”.
A estética da figura
Com sua dedicação à Renascença e à arte figurativa vieram certos valores fundamentais.
“Existem valores que regem o que é a arte”, explicou Howard. “A arte vem da experiência, e a experiência é impulsionada pela natureza divina de como o universo é montado. O artista pega algo que deriva desse elemento sagrado e que mostra algo representativo do nosso potencial como seres humanos.”
As primeiras obras de Howard foram esculturas de divindades antigas como Hermes e Afrodite. Em 2011, surgiu o trabalho que Howard estava convencido de que o chamaria a atenção do mundo da arte. “Chamava-se ‘Apollo’, um nu masculino que durou 3.500 horas e dois modelos. Achei que tinha feito algo comparável às obras da Renascença italiana.”
O “Apollo” de Howard foi inaugurado em uma galeria no bairro de Chelsea, em Nova Iorque, “um espaço enorme com enormes janelas de vidro do chão ao teto e luz saindo pelas janelas”. Cerca de 300 pessoas compareceram à inauguração. E então: “Nada. Nada aconteceu.
Foi um divisor de águas na vida do artista. Ele decidiu: “Eu tive que fazer algo diferente depois do ‘Apollo’ porque estava muito deprimido comigo mesmo. Trabalhei tanto durante todos esses anos e nada estava acontecendo.”
Mudança de direção
Em 2014, recebeu um apelo da comissão do Memorial Nacional da Primeira Guerra Mundial, em Washington, D.C., para propostas de equipes de arquitetos e escultores para criar um parque, incorporando uma escultura, que homenageasse os americanos que lutaram e morreram na Primeira Guerra Mundial.
Em 2015, Howard, então com 52 anos, foi escolhido e se juntou ao arquiteto em formação Joseph Weishaar, então com 25 anos. Juntos, eles construíram um friso de 17 metros de largura que seria colocado em um deck elevado acima de um elemento aquático.
Howard começou a trabalhar na escultura em janeiro de 2016, concluindo-a oito anos e meio depois.
“Esses anos foram dedicados a reuniões com a comissão e a 25 iterações diferentes da escultura. Depois veio uma maquete de 3 metros e outra versão de 1,5 metro que se tornou o projeto final com luz verde. Foi uma batalha”, disse ele.
Um membro da comissão sugeriu que Howard olhasse para a estátua de bronze de Ulysses S. Grant, de Henry Shrady, inaugurada em 1924, localizada na base do Capitólio. “Eu vi, gostei e pensei: ‘Esse é um modelo que eu poderia seguir’”, lembrou Howard.
Mas nem todas as esculturas figurativas são iguais, e Howard enfrentou a necessidade de remodelar seu estilo. “Tive que mudar de um estilo clássico esotérico e tranquilo para um que fosse muito vibrante, humano, expressivo, dramático e cinético. Esse é um grande desafio para um artista.”
Um desafio diferente foram as reuniões “tortuosas e difíceis” com a comissão à medida que o trabalho avançava nas suas 25 iterações. “Mas no final valeu a pena. Foi quase como se eu tivesse criado algo tão saboroso, mas tão condensado, como comida francesa. O sabor é muito poderoso e saciante também”, disse ele.
Escultura para todos
Howard chamou “A Jornada de um Soldado” de “uma pausa na criação de esculturas para elites e governos”. Sua intenção era que qualquer pessoa pudesse se conectar com ele. “Um aluno da oitava série sem interesse em arte ficará fascinado por este filme em bronze que se desenrola conforme você caminha da esquerda para a direita.”
No início, vemos um homem se despedindo da esposa e da filha enquanto a filha lhe entrega o capacete. Movemo-nos para a direita e vemos-no envolvido num combate feroz, enquanto os homens à sua volta são mortos, feridos e gaseados. Vemos então o solene resultado da batalha e o retorno para casa, para esposa e filha.
À medida que a ação se move da esquerda para a direita, o rosto do protagonista muda para refletir as diferentes raças e grupos étnicos que contribuíram para o esforço de guerra.
A esposa de Howard, a romancista Traci Slatton Howard, apontou para ele que a história implícita da escultura é paralela à história da “jornada do herói”, que é universal à experiência humana.
Howard compara a conclusão da enorme escultura depois de quase uma década de trabalho contínuo a “viajar a 145 quilômetros por hora e, de repente, parar”. Quando terminou, não sabia o que fazer a seguir, então escreveu um livro de 750 páginas sobre a experiência.
Ele vê “A Jornada de um Soldado” como a ponta de lança de uma mudança potencial da escultura abstrata para a escultura figurativa e não é reticente em deixar clara a sua posição: “Escolas, críticos de arte, galerias e museus são arrogantes e ignoram o que é arte. ”
Para corrigir isso, Howard acredita que devemos nos reconectar com o divino que é inerente à natureza humana.
