William Bouguereau (1825-1905), embora bem conhecido por suas pinturas de meninas camponesas e cenas mitológicas, também se tornou um dos pintores religiosos mais adorados de todos os tempos. Devoto do catolicismo, Bouguereau, como tantos outros pintores religiosos, via o seu trabalho como uma forma de adoração, tanto de Deus como de sua mais amada criação, a humanidade. O amor de Bouguereau por Cristo pode ser claramente visto em suas pinturas religiosas, para as quais ele não tomou nenhum atalho, nem poupou tempo e dedicação na criação.
Vierge Aux Anges, Cântico dos Anjos, 1881, paira no ‘Forest Lawn Memorial Park’, EUA. Tornou-se novamente apreciada a partir de uma exposição no Museu Getty, onde a obra de arte em tamanho grande foi pendurada ao lado da versão reduzida. A precisão da cópia perfeita, também feita cem por cento por Bouguereau, e o poder geral de ambas as peças, fez com que a exposição se tornasse uma das mais populares que a Getty teve ao longo de sua história. A serena Maria e seu bebê Jesus dormindo, rodeados pela natureza, com três anjos tocando-lhes uma canção de ninar. Todas as figuras são pintadas com beleza, perfeição e pureza. Quando Bouguereau pintava uma série de anjos, ele geralmente utilizava a mesma figura várias vezes. No Pietà, de 1876, os oito anjos são apenas dois indivíduos diferentes, e em Regina Angelorum, 1900, todos os 21 anjos são a mesma menina. No Cântico dos Anjos não é diferente. Bouguereau se esforçou para atingir a perfeição, e muitas vezes usava as mãos de uma modelo, os olhos de outra, o cabelo de uma terceira, etc. Em suas obras religiosas e suas representações do santo, ele teve um cuidado redobrado em busca de uma imagem humana convincente que poderia capturar o divino, e uma vez que ele encontrava o que queria, ele não se desviava. Eu acredito que esta foi também uma declaração sobre a natureza do divino; que uma santa presença pode se sentir tão poderosa quanto as almas de muitos, mas, na verdade, isso é um poder. Os três anjos em La Vierge Aux Anges também são um prenúncio da natureza da Santíssima Trindade, e são representativas do pai, do filho e do Espírito Santo. A mãe e o filho dormem em paz sem saber do sofrimento que estão destinados a seguir.
A Flagelação de Cristo, 1880, é uma das obras-primas de Bouguereau, e hoje paira no Batistério de ‘La Rochelle Catedral’, na França. Cristo, amarrado a uma coluna, está pendurado flacidamente, com os pés jogados no chão e a cabeça pendurada para trás, submetendo-se ao seu destino. Dois homens estendem-se em ambos os lados de Cristo, com chicotes em suas mãos, e um terceiro encontra-se ajoelhado no canto inferior direito fixando ramos de bétula para a próxima fase da tortura. Ao contrário dos dois homens que estão dando chicotadas ou o homem de pé que se encontra atrás de um deles e que está segurando ramos de bétula em riste, podemos perceber que o homem ajoelhado, que está amarrando os ramos, parece mostrar algum remorso por suas ações, já que os músculos de sua mão mostram-se um pouco soltos ao fazer a tração da corda. O espectador pode sentir a dor do tormento de Cristo, embora seus olhos estejam vagos de expressão, como se sua alma estivesse em outro lugar. A multidão em torno deste evento está cheia de espectadores curiosos. À esquerda, um menino jovem abriga os olhos da visão horrível ao virar as costas, pressionando-se contra sua mãe. À direita, logo acima da cabeça de Cristo, um bebê olha para ele com simpatia, enquanto içada sobre os ombros de seu pai. Através da multidão, um homem barbudo olha diretamente para o espectador, puxando, assim, o público para dentro da cena, como se eles também fossem parte da multidão. É possível que este homem barbudo com a testa franzida seja um auto-retrato, para que ambos, Bouguereau e o espectador, pudessem testemunhar esta cena. Esta capa em tamanho real d’ópera é tão magnífico como quaisquer obras religiosas feitas por Rafael, Caravaggio, ou Velasquez. A interação harmoniosa de desenho, manipulação de pintura, composição, perspectiva e impulso emocional são inigualáveis em seu poder expressivo.
Quando se olha para a pintura A Compaixão, de 1897, à primeira vista, o espectador pode interpretar esta pintura simplesmente como uma representação de Cristo na Cruz, com talvez algum outro santo, ou vítima. Uma descrição não muito diferente de milhares de outras pinturas do assunto; mas na verdade, o tema desta pintura não é apenas o evento, mas a conversão ao cristianismo através da compaixão pelo sacrifício feito por Jesus. O homem com a cabeça no peito de Jesus é uma representação de cada homem, e da humanidade como um todo. O homem na pintura mostra a mesma empatia e, descobrindo a sua própria cruz simbólica, encontrou seu caminho até Jesus e sua própria redenção. Muitos cristãos usam cruzes em torno de seus pescoços para representar a mesma convicção, que eles também foram sacrificados com Cristo. Na Bíblia, quando Jesus caiu em seu caminho para o Calvário, um homem da multidão, Simão de Cirene,foi até Jesus e carregou a cruz para ele. Esta foi a inspiração para este símbolo amplamente aceito. O sangue de Cristo cai em suas mãos, reiterando o sacrifício de sangue que foi feito para seu benefício. Em cima da cruz uma carta é postada onde se lê “Jesus de Nazaré, Rei dos Judeus”, em três idiomas, grego, latim e aramaico. Apesar de Cristo ser crucificado no topo de uma montanha em diversas representações, Bouguereau escolhe uma terra árida para retratar o salvador, simbolizando a vida espiritual do homem antes de encontrar seu caminho para Cristo. Bouguereau optou por ficar com esta pintura, pois mostra a importância que sua religião desempenhou em sua vida, e esta manteve-se em seu estúdio até sua recente doação para o Museu d’Orsay, Paris, França.
A Pietà, de 1876, fornece uma descrição muito original deste mais famoso artista do imaginário. O pranto de Maria envolta em um manto preto está de luto pela morte de seu filho, a quem ela segura ao peito. O corpo morto de Jesus inerte paira em seus braços enquanto oito anjos choram ao redor. Os anjos estão vestidos com as cores do arco-íris que cria um arco sobre Maria e Jesus. No Antigo Testamento, depois que a grande enchente terminou, Noé e sua família viram um arco-íris, que era um sinal de Deus de que a inundação acabou e que o mundo poderia nascer de novo. Em Pietà de Bouguereau, o arco-íris simboliza que o sacrifício de Jesus foi completo e que a alma humana pode nascer de novo e ascender a Deus depois da morte. Maria olha para fora e para cima. Sua posição sentada não deixa claro se ela está focada no espectador ou nos céus com seus olhos vermelhos inchados, cheios de tristeza e acusação. O mais provável é que, como uma mãe chora a perda de seu filho, ela está acusando ambos os céus e a terra pela dor que ela e seu filho sofreram. Esta interpretação de Maria é diferente da Pietà de Michelangelo, ou muitas outras versões, onde Maria está oferecendo o seu filho para o mundo. Maria de Bouguereau agarra Cristo, não o oferecendo a um mundo pecaminoso que exigia o sacrifício de seu filho. Aos pés de Jesus encontra-se a coroa de espinhos usada para zombar dele durante a crucificação, que reside em um pano branco coberto com o sangue de Cristo, mostrando o tormento que Jesus passou, a fim de que a humanidade pudesse alcançar a salvação. O manto branco e o jarro de água representam a pureza da alma de Jesus. Jesus e Maria são cercados por um halo de luz indicando sua santidade. Esta pintura foi inspirada pela morte do filho mais velho de Bouguereau, George, que morreu imediatamente antes de Bouguereau começar a trabalhar nesta peça em 1875. Bouguereau teve o infortúnio de ter perdido quatro de seus cinco filhos durante sua vida.
Le Saintes Femmes au Tombeau, de 1890, traduzido como As Santas Mulheres no Túmulo, descreve as três Marias, Maria, a mãe de Tiago, Maria Madalena e Maria de Cléofas, no túmulo da ressurreição. O espectador, em termos de composição, é colocado em uma posição curvada e olhando para cima nota-se primeiro as expressões de espanto no rosto da Maria central antes de olhar para as três mulheres e o túmulo. O túmulo é cheio de luz e o espectador só pode ter um vislumbre do “anjo da ressurreição” com o braço levantado. Este é um arranjo muito inteligente. O espectador sente como se eles estivesse lá com as Marias e que ao ter se deparado com este evento, trouxe-o para o presente. Esta pintura foi exibida pela primeira vez no Salão de Paris de 1890, e apesar de um crítico, depois de ver a peça na época, ter dito que Bouguereau “sempre demonstrou a mesma coisa”, a perspectiva usada nesta pintura e a composição global são muito originais e foi um prova de força de perspectiva e encurtamento, o que pode ser visto claramente no ângulo grave do saguão onde está o túmulo. A pintura hoje paira na coleção da Royal Museu de Belas Artes, Antuérpia, Bélgica.
Estas são apenas uma pequena porção das pinturas religiosas de Bouguereau, das quais há aproximadamente 65, que juntas constituem cerca de oito por cento da sua obra total. O Catálogo Raisonné recentemente publicado sobre o artista por Damien Bartoli e Ross Fred, ilustra claramente através de mais de 760 exemplos de trabalhos deste artista, a coragem tremenda de Bouguereau com a destreza do pincel. Vencendo quase todos os prêmios de honra durante sua vida, e residindo como presidente de muitas instituições, a fama de Bouguereau era igual ao de Victor Hugo, seu contemporâneo, e como artista, ele era tão conhecido como Picasso é hoje. Sua morte, em 1905, foi lamentada por toda a França, e por outros países ao redor do mundo também.
